Ben Galliers aus Coventry, einst ein an seinem Beruf zweifelnder Profifußballer, später dann eine Hälfte des Surfrock-Duos The Voo, und Mark Tavassol, Bassist und Gitarrist von Wir Sind Helden und Gloria wurden zufällig Nachbarn. Und taten sich mit Nina Müller, besser bekannt als WIM, Jonas Böker und dem studierten Physiker Matthias „Koschi“ Koschnitzke zusammen – sie waren auf der Suche nach etwas Neuem. Einer neuen Richtung, einem neuen Sound.

Das deutsch-englische Quintett aus Hamburg zeichnet entsprechend seine eigenen musikalischen Bilder: Mal hat man die blinkenden Lichter der Spielhallen in den englischen Badeorten Brighton oder Eastbourne vor Augen, mal die Keller britischer Underground-Clubs, mal herrscht nerdige Genauigkeit, mal punkiges Laissez-faire. Es wird gesungen und geschimpft, es wird emotional und rau und dann wieder erhebend und versöhnlich. Thematisch geht es immer wieder um Identität, die großen Fragen: Wer bin ich? Wer will ich sein? Was ist eigentlich die letzten Jahre passiert? Irgendwo zwischen Akzeptanz und Abwehr, Liebe und Wut. Und mit einem Gespür für brachiale Hymnen, so wie „Keine Energie geht verloren“.

Aufschlag Agassi.

(Foto: Julian Essink)

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Die künstlerische Entwicklung von Worries And Other Plants ist in der Folge von Wachstum geprägt: Aus dem Soloprojekt wurde eine sechsköpfige Band mit festen Musikerinnen und Musikern, die live eine bemerkenswerte Präsenz ohne jegliche Effekthascherei entfalten und damit auch bei Festivals wie dem Montreux Jazz Festival begeistern. Flächig, mild psychedelisch, mit hypnotischen Rhythmen, mit weitläufigen Melodien, die mal durch die Wüste schweben und mal an der Westcoast rasten, lässt die Band im wahrsten Sinne Klanglandschaften entstehen, in denen man auf endlosen Straßen die Weite fast körperlich spürt.

Da perlen üppige Arrangements, die an Midlake erinnern, auch Calexico oder Timesbold schauen kurz herein, Fender Rhodes und Hammond untermalen die zurückhaltenden Gesangsmelodien – die suggestive Kraft des Sounds schafft ein immersives Hörerlebnis.

Worries And Other Plants ist ein stilvolles künstlerisches Statement: Eine Einladung, die eigenen Zweifel als Keim für Schönheit zu begreifen und den Rhythmus des Lebens in all seinen Zyklen zu umarmen. Das wird wunder- wunderschön bei uns im Garten.

(Foto: Andrin Fretz)

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Es begab sich neulich, in Groningen, beim ESNS-Festival, dass unsere kleine Reisegruppe auch noch am letzten Tag des Festivals zugegen war. Wir hatten vier Tage randvoll mit Live-Musik, frittiertem Essen, gallonenweise Bier, haushaltsüblichen Mengen Schnaps und einer Menge Spaß hinter uns. Jetzt hing ich dann doch etwas durch, man wird ja nicht jünger. Am letzten Abend, traditionell beim ESNS den niederländischen Bands vorbehalten, schleppten wir uns fast lustlos von einem überfüllten Konzert zum nächsten. So richtig bockte keines mehr. Aber es sollte ja noch diese eine Band kommen, von der ich zumindest ein bisschen was erwartet hatte, Grote Geelstaart. Übrigens ist der „Große Gelbschwanz“ ein Nachtfalter, sein Name wird ungefähr „Chroote Chäälstart“ ausgesprochen, aber ich schweife ab.

Es hieß, die Band sei befreundet mit Marathon, das eine oder andere Video im Vorfeld war vielversprechend, ein Vertrauter munkelte, sie seien womöglich unterhaltsam. Joa, wird vielleicht okay werden. Also hin da. Und. Dann. Passierte. Das.
So etwas habe ich ewig nicht gesehen, wenn überhaupt jemals.

Grote Geelstaart machen den kranksten geilen Scheiß, den wir je auf den Garten losgelassen haben. Ja, klar, White Wine und ein paar andere Bands waren beim OBS vielleicht auch mehr oder weniger schräg oder nicht innerhalb einer Norm unterwegs, einige waren heftig, viele waren dynamisch, einige hatten Kunstanspruch, andere wurden ihm gerecht. Aber diese 19- bis 22-jährigen Buben, stets im Sonntags-Outfit zugange, die – um das mal sehr grob zu skizzieren – zwischen Black Midi, Devo, Sonic Youth, Fat Dog, Lysistrata und Dadaismus herumberserkern, sind wirklich the shit. Noise-Rock, Postpunk, krautiges Getöse, Performance-Art, alles in einen Eimer gerotzt und zu etwas Genialischem verrührt. Musikalisches Malen-nach-Zahlen war nie weiter entfernt als hier. Das ist große Kunst, unvorhersehbar, fordernd, abwechslungsreich, irrwitzig spannend, nicht auszurechnen, selbstbewusst und, ja, einfach sau-geil.

Sie kommen aus einem winzigen Kaff in der Provinz Zeeland, sind Brüder und Cousins, haben sich alle Instrumente selbst beigebracht, sie singen auf Niederländisch, aber laut Niederländern versteht niemand dort, was die da brüllen und murmeln. Denn sie nutzen eine sehr metaphorische Sprache, die sie auch noch in einem lokalen Dialekt auf das Publikum loslassen. Und es wird noch besser. Sie wollen verklausulierte Geschichten erzählen in ihren brachialen Stücken – aber ihnen war klar: so junge Menschen wie sie selbst hatten noch nicht so viel erlebt, was als Story tragen würde. Also befragten sie ältere Einwohner ihres Heimatdorfes, was die erinnernswertesten Geschichten in ihrem Leben waren. Und strickten aus diesen Erzählungen ein philosophisches Höllenfeuer.

Ihre Auftritte sind nicht weniger als sen-sa-tio-nell. Sie spielen mit einer solchen Wucht, bei gleichzeitiger Coolness – man steht da mit offenem Mund und wünscht sich, dass dieses reinigende Gewitter nie vorbeiziehen möge. Man fragt sich WAS IST DAS? Es ist in der Kombination neu, die originellste Band, die ich seit Jahren gesehen habe. Ja, die anstrengendste auch, aber leicht kann jeder. Solche Kunst kann lebensverändernd sein. Danach ist man fast zwangsläufig nicht mehr derselbe. Sie sind ein einziger durchdringender Schrei ins kollektive Arschgesicht der Welt.

Das OBS wird ihr erstes Open-Air Festival in Deutschland sein. Ich weiß, dass das ein forderndes Erlebnis wird. Ich weiß aber auch, dass das OBS-Publikum offen und bereit für neue musikalische Erfahrungen ist. Also bitte: Vollversammlung!
Nach dem Konzert in Groningen waren wir beseelt und gleichzeitig leer. Wir konnten es einfach nicht fassen, dass es so etwas gibt. Und ich wusste: wenn ich nach dem OBS tot umfallen sollte, so habe ich wenigstens solch eine geniale Großartigkeit mit Ewigkeitswert auf unsere Holzbühne gebracht.

(Foto: Grote Geelstaart)

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Mit seinem feinsinnigen Songwriting und seinen literarischen Texten hat er sich international einen Ruf als außergewöhnlicher Geschichtenerzähler erarbeitet, dessen Songs von emotionaler Tiefe geprägt sind. Er wird geschätzt als authentische Stimme jenseits kurzlebiger Trends – und als ein Songwriter, der auf der Bühne sofort Nähe herstellt. Seine Konzerte leben von einer ruhigen, eindringlichen Intensität und Legers zugewandter Art.

Er nimmt sein Publikum ernst und lädt es ein, sich Zeit zu nehmen. Oder, wie Doug Paisley es sagt: „Man sollte sich die Zeit nehmen, Jerry Leger wirklich zuzuhören.“ Ein Auftritt von Jerry Leger ist kein lautes Spektakel, sondern ein nachhaltiges Live-Erlebnis – perfekt für offene OBS-Ohren.

(Foto: Katie Methot)

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Man fühlt mit ihm, diesem unbeirrbaren, kühnen Rosenkavalier, der hadert und doch liebt, der die Absurditäten des Alltags mit schulterzuckender Leichtigkeit kommentiert und der die lakonische Erkenntnis verinnerlicht hat, dass das Wesen der Attraktion die Enttäuschung ist.

Ja, ich würde ihm einen Gebrauchtwagen abkaufen. Ja, ich würde nächtelang in verrauchten Hinterzimmern mit ihm billigen Fusel stürzen und en passant die Irrungen und Wirrungen dieser Welt diskutieren. Ja, ich würde an seinen Lippen hängen, seinem Witz und seiner Weltsicht folgend, mich an seinem mild sarkastischen Humor berauschen.

All das will man, wenn man eines seiner Konzerte erlebt. Die Kegelband ist dabei eine perfide-perfekte Maschine, die dem Protagonisten völlig uneitel einen brillanten musikalischen Rahmen baut, der nicht nur auf den ersten Blick imposant ist. Gringo Mayers Musik ist ein furioses Feuerwerk aus Indie, Pop, Soul und Folk, das mit großer erzählerischer Kraft Geschichten aus den schattigsten Ecken unserer Welt auf die Bühne bringt. Hymnen über das Straucheln und Aufrappeln, das Funkeln in schummrigen Ecken, Lieder, zu denen man tanzen und lachen kann – wenn das Lachen nicht im Halse stecken bleibt. Sein Stil ist charmant und doppelbödig, sein Dialekt wirkt einladend, aber nicht eng, er öffnet sich wie ein weiter Himmel: „Mir gugge in die Ferne / So weit wie’s eben geht“ konstatiert er, „hier gibt’s doch kää Sterne / hier gibt’s nur die Fabrigg.“

Ein großartiger Typ mit großartigen Spießgesellen – das wird ein großartiges Konzert unter unserem Kirschbaum.

(Foto: Christina Gotz)

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Die Energie der auf Niederländisch singenden Band löst Sprachgrenzen mühelos auf. Im Musikexpress wurde ihr Debütalbum „Wereldwaan“ Ende 2025 Album der Woche, André Boße beschreibt sie als „gallig, smart, komplex, abgründig. Das ist ungewöhnlich. Vor allem aber ist das supergut. (…) Die Band spielt brillant, baut immer wieder Postpunk-Ebenen ein in Form von kantigen Riffs, effektiven Pausen oder Laut-leise-Dynamiken. Interessant ist, wie das Niederländisch die Musik beeinflusst. Man möchte die Sprache zuerst niedlich finden – bis einem bei den vielen besonders starken Stellen, wenn Sängerin Helena Cazaerck beim Singen in den Abgrund schaut, die Kinnlade runterfällt: Das niederländische Idiom eignet sich perfekt für Verzweiflungsvertonungen. Und weil die Band bei Stücken wie „Rozemarijn“ oder dem Kneipen-Mitsing-Lied „Niets Gaat Verloren“ auch noch großes Songwriting-Talent beweist, zählt WRELDWAAN zu den besten Debüts des Jahres.“

Und live erst! Everett True, Elder Statesman des britischen Musikjournalismus, brachte ihre Live-Wucht perfekt auf den Punkt:
„Maria Iskariot vereinnahmen und beherrschen das gesamte Publikum – vom ersten Moment an, wenn die Frontfrau direkt ins Publikum springt und die Leute zwingt mitzusingen: erst einzeln, dann gemeinsam – mit Worten, die sie weder aussprechen noch verstehen können, die sie aber zunehmend lustvoll hinausschreien. Sie rennt bis ganz nach hinten, springt auf die Boxen während neben ihr die Bandkollegen die Gitarren krachen lassen und ein gewaltiges Donnern entfesseln: furchtlose Jugend, reichlich Humor – und Seele. Ein großartiges Gefühl.“

Macht euch auf etwas gefasst.

(Foto: Tina Lewis-Herbots)

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Fein komponierte Songs in einer musikalischen Welt zwischen Sehnsucht und Hoffnung, und kraftvoll, verspielt und eindringlich. Ihre Musik klingt zugleich zärtlich und entschlossen, spricht den Zeitgeist an und entzieht sich ihm doch. Stilistisch bewegt sich das Album souverän zwischen Indie- und Alternative-Pop, mit barocken, jazzigen und soulig-kontemplativen Momenten. Jeder Song ist eine Ode an das Verbundensein – mit anderen, mit der Welt, mit der Musik selbst.

Ausgangspunkt des Albums ist ein Gefühl der Überforderung angesichts einer aus dem Gleichgewicht geratenen Welt. Mel D braucht ein Ventil, sie verwandelt Trauer und Wut in kreative Energie und verleiht dem Weltschmerz eine tröstende, verführerische Stimme. Ihre Songs handeln von Fürsorge, Zusammenhalt, Empowerment – und davon, dass es erlaubt ist, zu fühlen. So beschwört Bring the Witches Back in sanfter Dringlichkeit mehr Liebe und Magie, während Soft mit souliger Leichtigkeit ein schwebendes Dazwischen einfängt. Slowly Growing fragt mit kristallklarer Intimität nach Identität und Zugehörigkeit, Where Do You Look When It Hurts spendet erschöpften Gefühlen musikalische Wärme.

Ihre Songs verzaubern mit bemerkenswerter Nähe, Tiefe und Strahlkraft. Es kommt nicht von ungefähr, dass sie als Einflüsse u.a. Feist, Sophie Hunger, Big Thief, Soko, boygenius, Kate Bush, PJ Harvey, Aldous Harding oder Sharon van Etten nennt.
Musik begleitet Mel D seit ihrer Jugend. Während ihres Fine-Arts-Studiums in Zürich gründete sie das Electro-Pop-Duo mischgewebe und komponierte für Theater, Film und Ausstellungen. Ihren Künstlerinnennamen verdankt sie übrigens ihrem ewigen Spitznamen – eine augenzwinkernde Referenz an die Spice Girls. Sie trägt ihn mit derselben Leichtigkeit, die auch ihre Bühnenpräsenz auszeichnet. Denn sie strahlt eine ungeheure Natürlichkeit aus – da ist keine Spur von eitler Selbstinszenierung. „Die Bühne ist mein Zuhause“, sagt sie. Und nach Tourneen mit Faber ist sie von großen Festivalbühnen kaum mehr wegzudenken.

(Foto: Noémi Ottilia Szabo)

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Melanie Gollin und Rosalie Ernst bringen Popkulturwahnsinn auf die Bühne.

Freut euch auf die Essenz von ZWISCHEN ZWEI UND VIER, bekannt als unverzichtbares, schlaues Musikmagazin fürs Mailfach: Hintergründe, Entdeckungen und Quatsch rund um alles, was es zum Thema Musik zu erzählen gibt. Fanfiction, Analysen, Live-Interviews, Gedichte, Geheimnisse der Musikindustrie…

Das alles präsentieren sie in einer Mischung aus TED Talk, Gesprächen mit Gästen und Musikquiz, “amüsant, relevant und auf Augenhöhe.” (rausgegangen.de) ZWISCHEN ZWEI UND VIER beweist seit fünf Jahren, dass Musikjournalismus nicht nur aus staubigen Rezensionen und den immer gleichen Interviewfragen bestehen muss.

Und ZWISCHEN ZWEI UND VIER ist ein entrückendes Live-Erlebnis. Roter Faden? Fehlanzeige! Hier überschlagen sich die Musikthemen, aber die Euphorie hält alles zusammen. Greifbarer werden Fantum und Popkultur selten gemacht.

Ihr werdet lachen, weinen und euch wundern. Am Ende habt ihr aus Versehen was gelernt und werdet mit einem ganz neuen Blick auf Musik von der Lesebühne kommen.

(Foto: Annekatrin Schulz)

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Dass ihre Musik inzwischen nicht nur in Schottland, sondern quer durch UK, Europa und die USA Anklang findet, überrascht kaum – schließlich führte genau dieser Sound die Band in den letzten Jahren von kleinen Bühnen bis hin zu ausverkauften Headline-Shows im legendären Barrowland Ballroom (Glasgow) und der ikonischen Usher Hall in Edinburgh mit je über 2000 Fans.

Das kommt alles nicht von ungefähr, denn die Band legt hörbar enorm viel Herz in ihre Musik – und das ohne Pathos, ohne Schmalz. Vielmehr strahlen sie eine fast schüchterne Bodenständigkeit aus, jeglicher glamouröser Anwandlung unverdächtig. Man möchte mit ihnen am Tisch sitzen und nächtelang reden und ein paar Pints heben. Man weiß sofort: die begannen mal irgendwann Musik zu machen, weil sie Musik machen und sich ausdrücken wollten, nicht, um berühmte Rockstars zu werden. Umso mehr funkeln ihre Lied-Preziosen, mal glitzern sie nahezu, dann wieder schimmert ihre Aura eher matt und mysteriös. Alles kleine jubilierende Hymnen, die nicht wissen, dass sie Hymnen sind. Viel schöner kann Musik nicht werden. Man kann dazu träumen, man kann die Augen schließen und genießen, man kann dazu offenen Mundes und mit erhobener Faust mitgehen. Man kann Wrest nur lieben. Beim 25. OBS, vor drei Jahren, trafen sie uns alle mitten ins Herz.

Nun kommen sie zurück, um mit ihrem poetischen Indie-Rock das OBS 28 als letzter Act am Sonntag stimmungsvoll und voller Grandezza zu beschließen. Ich weine jetzt schon.

(Foto: Trash Panda/Craig Robertson)

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Dianes Musik lebt von Zurückhaltung und Präzision: eine klare, unverstellte Stimme, akustische Instrumentierung und Texte, die persönliche Erfahrungen mit universellen Motiven verbinden. Natur, Vergänglichkeit, Beziehungen und innere Wandlungsprozesse ziehen sich wie ein roter Faden durch ihr Werk. Kritiker beschrieben ihre Songs als „leise, aber von nachhaltiger Wirkung”, das Paste Magazine beschreibt ihre Lieder als “makellos schöne Indie-Folk-Songs”.

Heute lebt Alela Diane in Portland, Oregon. Ihre Songs bewegen sich weiterhin jenseits modischer Strömungen – introspektiv und getragen von poetischer Klarheit und einer leisen Entschiedenheit. Ihr neues, sechstes Studioalbum „Looking Glass“ wurde von Tucker Martine (Neko Case, My Morning Jacket, The Decemberists) produziert und entstand unter der Mithilfe von u.a. Carl Broemel (My Morning Jacket), Scott Avett (The Avett Brothers) und Ryan Francesconi (Joanna Newsom). Nicht umsonst bezeichnet der Rolling Stone es als „empfindungsreiches Meisterwerk“. „Momente aus ihrem Leben“ hat Bedroomdisco erkannt, „verwandelt sie in Songs, mit denen wir alle uns identifizieren können“ .

Alela Diane steht für einen Folk, der nicht nostalgisch rückwärtsgewandt ist, sondern aus der Gegenwart heraus spricht – eine zeitlose, grandiose Musik, die sich nicht aufdrängt, sondern Raum schafft. Sie hat diese unheimliche Fähigkeit, sich selbst und ihre Musik vollständig aus jedem musikalischen und historischen Kontext zu lösen. Wir freuen uns andächtig vor und sind schon ein wenig stolz, dass das OBS das einzige Festival ist, welches sie im Rahmen ihrer Europatournee im Frühjahr beehrt.

(Foto: Nicolas Peter Wilson)

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